Text written by Andréanne Béguin for Zérodeux revue d’art contemporain about Chlaaak Tuuung Fiiiiiit exhibition at Centre d’Art La Graineterie — Spring 2022 (french version below)
Chlaaak Tuuung Fiiiiiit. The sound of raw earth, the sound of chopsticks, the sound of squeegee. Intriguing noises, which populate François Dufeil’s exhibition, noises evoking a form of letting go or fusion. At the Graineterie, François Dufeil offers an exhibition resolutely anchored in the making and kneaded with various movements. This setting in motion is not conditioned by an expansionist or systematic logistical thinking. On the contrary, the exhibition is actuated by flows leaving to chance a place for contingency, a legitimacy. With simplicity, escaping performance imperatives, François Dufeil opens the door to all possibilities.
The creation of “tools-sculptures”, as well as the protean installations designed with them, are all speculative experiments. From a well-founded and technically defined starting point, the artist lets it happen. The attic of The Graineterie is infused with the lightness and flexibility demonstrated by François Dufeil in his work. Reappropriating the history and technique of silk screen printing, he creates an unprecedented and innovative press. That one is no longer horizontal, but vertical: this a mischievous reversal, an initial hypothesis from which follows a sustained sequence of “What if”? What if the press became vertical? What if the synthetic screen was replaced by silk? What if the photosensitive emulsion was replaced by wax? What if an artist was invited to create a shape in wax in order to draw a pore filler? What if the ink was replaced by natural pigments manually obtained.
The space gives us to a way of perceiving the various birth and design processes of an image, as well as documenting the steps of this both speculative and random experience until the final screen-printed images on the walls. Steps or chain reactions, they go hand by hand with accidental or plainly unpredictable obviousness: coal and copper maintain the mystery of their chemical reactions, and the colours finally obtained — ranging from blacks, browns, to greens — have not been predetermined. In François Dufeil’s work, the natural agents used have their rightful place and their own autonomy.
From its colours a form — whose scale ratio has been manipulated — is emerging, drawn by Eva Nielsen with hot wax on silk. This shape, along with the technical and creative process preceding it, is intertwined with all the many attempts and variations leading to its completion, like temporal strata of almost archaeological traces. Fixed on the walls, it is nevertheless endowed with a sculptural force, crossed by shadows and reflections, depending on the point of view adopted. Its intensities are neither unique nor uniform, but rather specific to each individual’s perception.
The permeability of François Dufeil’s work to others is an integral part of his approach. The initial intuitions he offers can thus be supplemented by the way were are using or perceiving them: even better, he calls other artists to take an active part in the creative process.
The exhibition at La Graineterie is a perfect example of a remarkable point made by François Dufeil with is work, which is nourished by great generosity: the artist conceives pieces that can eventually be thought of by several people, put into practice collectively, or experimented with and tested by others. The glass roof of La Graineterie thus offers several pieces that make up a set of sculpture-sound tools, conceived in complicity with Charles Dubois. A small orchestra, flirting with the unexpected and the unusual composed with elements borrowed from the industrial sphere: gas canisters, air chambers and melted taps joyfully mix and talk with each other.
The starting point of this orchestra is the sculpture Cloches sous pression 2, activated by water and pressure transfers from one gas bottle to another, or from one fire extinguisher to another. Charles Dubois plays with various pressures and time flows. Reaching the proper sounds depends on transferring the materials hidden inside the elements. The result is an oceanic sound track, with sometimes crystalline tones. This is answered by the percussion on the brass discs of Vases d’expansion. This work, composed of melted taps, produces sounds close to the carillon, a free rendering of the xylophone by the artist.
Finally, a third sculpture-tool, Cu2+ — hourglass or drum — completes the poly-sonic ensemble with lower tones. These wine vats, augmented with inner tubes and leather canvas, produce low tones and complete this disconcerting sonic journey, a potential evocation of an aquatic exploration.
This power inherent to sound plays a key role in giving true life to the exhibition : it stimulates our senses, and imbeds this atypical setting with a natural synergy, embodying a precious and strikingly delicate “here and now”, as well as calling other creators for further interactions and activations.
In addition to Eva Nielsen, invited for Presse à poussières, and Charles Dubois, for the activation of the sound pieces, Victor Alarçon & Anaële Gnidula have been invited to activate Poterie centripète. This potter’s wheel, whose structure was created with meticulous engineering considerations, allows Victor Alarçon to make pottery in space. The potter, leaning in a clever balance on the wheel, can count on a perfect harmony between human and kinetic force to deploy his gestures.
This harmony of forces precisely illustrates the deep convictions that inhabit the artist’s work, and in particular the search for renewed ways of being in the world. In contrast to automated industrial production processes, François Dufeil reminds us that human gesture cannot be totally eliminated. His work bears witness to a desire of escaping from the sometimes alienating logics that we maintain with our objects and machines. These works have the noble ambition of forcing the machine to respond to human impulse. In the continuity of this step aside, and without advocating human supremacy, François Dufeil places us back at the heart of the natural elements: fire, water, air, earth. It is an enlightening statement about the relationship we should have with this nature on which we depend. The artist, with poetry and playfulness, rebalances the traditional power relations and hierarchies imposed on us by capitalist productivism.
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Chlaaak Tuuung Fiiiiiit. Le bruit de la terre crue, le bruit des baguettes, le bruit de la racle. Des bruits intriguants, qui peuplent l’exposition de François Dufeil, qui évoquent une forme de lâcher-prise ou encore de fusion. François Dufeil propose à la Graineterie une exposition résolument ancrée dans le faire et pétrie de mouvements divers. Cette mise en mouvement n’est pas conditionnée par la pensée logistique expansionniste et systématique. Au contraire, l’exposition est actionnée par des flux laissant au hasard une place à la contingence, une légitimité. Avec simplicité, échappant aux impératifs de performance, François Dufeil ouvre la porte à tous les possibles.
Les « sculptures-outils » créées et les installations protéiformes qu’elles composent sont autant d’expériences spéculatives. À partir d’un point de départ fondé et techniquement défini, l’artiste laisse advenir. Le grenier de La Graineterie est imprégné de la légèreté et de la souplesse dont fait preuve François Dufeil dans son travail. Se réappropriant l’histoire et la technique de la sérigraphie, il crée une presse inédite et innovante. Cette dernière n’est plus horizontale, mais bien verticale: c’est un renversement malicieux, une hypothèse initiale dont découle une suite soutenue de « Et si ? ». Et si la presse devenait verticale ? Et si l’écran synthétique était remplacé par de la soie ? Et si l’émulsion photosensible était remplacée par de la cire ? Et si une artiste était invitée à créer une forme dans la cire pour dessiner un bouche-pore ? Et si l’encre était remplacée par des pigments naturels obtenus manuellement ?
L’espace nous donne à voir les différents processus de la naissance et la construction d’une image, et documente les étapes de cette expérience spéculative et aléatoire jusqu’aux images définitives sérigraphiées à même les murs. Étapes ou réactions en chaîne, elles s’accompagnent d’une évidence accidentelle ou tout simplement imprévisible : le charbon et le cuivre entretiennent le mystère de leurs réactions chimiques, et les couleurs finalement obtenues – une gamme de noirs, marrons et verts – n’ont pas été prédéterminées. Chez François Dufeil, les agents naturels utilisés ont leur juste place et leur autonomie propre.
De ses couleurs se détachent une forme – dont le rapport d’échelles a été truqué – dessinée avec de la cire chaude par Eva Nielsen à même la soie. Cette forme et le processus technique et créatif qui la précède induisent des répétions, des variations, autant de strates temporelles, presque des traces archéologiques. Fixée sur les murs, elle est pourtant dotée d’une force sculpturale, parcourue d’ombres et de reflets, selon les points de vue adoptés. Ses intensités ne sont ni uniques, ni uniformes, mais bien propres aux perceptions de chacun.
La perméabilité du travail de François Dufeil à autrui est partie intégrante de sa démarche. Il propose des intuitions initiales pouvant être complétées à l’usage ou par nos perceptions et, plus encore, il invite d’autres artistes à prendre une part active au processus de création.
L’exposition à La Graineterie illustre un principe remarquable du travail de François Dufeil, nourrie par une grande générosité: l’artiste conçoit en effet des pièces qui peuvent être pensées à plusieurs, mises en pratique collectivement, expérimentées, éprouvées par d’autres. La verrière de La Graineterie propose ainsi plusieurs pièces qui composent alors un ensemble de sculpture-outils sonores, pensées en complicité avec Charles Dubois. Un petit orchestre, qui flirte entre l’inattendu et l’insolite, composé d’éléments empruntés à la sphère industrielle : joyeusement se mélangent et se répondent des bombonnes de gaz, des chambres à airs ou encore des robinets fondus.
La genèse de cet orchestre est la sculpture Cloches sous pression 2, activée par des transferts d’eau et de pression d’une bouteille de gaz à une autre, ou d’un extincteur à un autre. Charles Dubois joue avec les différentes pressions et temporalités d’écoulement. Les sons obtenus dépendent des transferts de matières, cachées à l’intérieur des éléments. C’est une piste sonore océanique, avec des tonalités parfois cristallines. Lui répondent les percussions sur les disques en laiton de Vases d’expansion. Cette œuvre, composée de robinets fondus, produit des sons proches du carillon, une libre interprétation par l’artiste du xylophone.
Enfin, une troisième sculpture-outil, Cu2+ – sablier ou tambour –, vient compléter l’ensemble polysonique avec des tonalités plus basses. Ces cuves viticoles augmentées de chambres à air et de toile de cuir, produisent des sons graves et complètent ce voyage sonore déroutant, potentielle évocation d’une exploration aquatique.
Cette puissance sonore est l’un des ressorts de la vivacité de l’exposition, qui est réellement vivante : elle stimule nos sens, habite le lieu atypique dans une synergie naturelle, incarne un ici et maintenant précieux et saisissant de finesse, convoque des interactions et des activations avec d’autres créateurs.
Outre Eva Nielsen, invitée pour Presse à poussières, et Charles Dubois, pour l’activation des pièces sonores, Victor Alarçon & Anaële Gnidula ont été conviés à activer Poterie centripète. Ce tour de potier, dont la structure a été créée avec minutie et grâce à des considérations d’ingénierie, permet à Victor Alarçon de réaliser des poteries dans l’espace. Le potier, penché dans un savant équilibre sur le tour, peut compter sur un accord parfait entre force humaine et force cinétique pour déployer ses gestes.
Cette harmonie des forces illustre avec précision les convictions profondes qui habitent le travail de l’artiste, et notamment la recherche pour des manières renouvelées d’être au monde. À l’inverse des procédés de production industrielle automatisés, François Dufeil nous rappelle que le geste humain ne peut être totalement évincé. Son travail témoigne d’une volonté de s’extraire des logiques parfois aliénantes que nous entretenons avec nos objets et nos machines. Ces œuvres portent la noble ambition de contraindre la machine à l’impulsion humaine. Dans la continuité de ce pas de côté, et sans pour autant prôner la suprématie humaine, François Dufeil nous replace au cœur des éléments naturels: le feu, l’eau, l’air, la terre. C’est une affirmation éclairante quant aux relations que nous devrions entretenir avec cette nature dont nous dépendons. L’artiste, avec poésie et espièglerie, rééquilibre les rapports de force et hiérarchies traditionnelles que nous impose le productivisme capitaliste.
Text written by Marianne Derrien for monographic edition Chlaaak Tuuung Fiiiiiit about François Dufeil work’s edited by Centre d’Art La Graineterie — January 2022 (french version below)
To the rhythm of the elements, the song of autonomy
“I call a society where the modern tool lis at the service of the person integrated into the community, and not at the service of a body of specialists. User-friendly is the society where man controls the tool” (1)
Melting, slamming, pressing, beating, burning, bending. Everything is fluid here, potentially moving and incandescent. According to François Dufeil, there’s nothing or so little that distingues between a craftsman/woman, an artist, an engineer or an inventor. Co-founder of the collective The Wonder, a place for living and working self directed by artists, it’s in his basement studio, that he diverts objets related to the world of fire (extinguishers, gaz cylinders,…) or fluids (tap fittings, tanks…). During his residencies or in the public space, he outlines an alternative knowledge (specifies alternative knowledge) inherited from craftsmen and workers, which induces a skillful mastery of our natural, industrial and social environment’s technique and expertise.
Having practiced painting during or in parallel with his training in HVAC engineering at the Compagnons du Devoir and the Tour de France (2), then in art schools, François Dufeil, careful not to distort the matter’s spirit, was able to condense experiments very quickly into an object, and to give it a shape by inventing or reinterpreting the automatisms of a machine from a gesture. If the historical divide between theory and practice, the artist and the craftsman and therefore intellectual and technical work is here overcome, it’s mainly by sedimenting all knowledge in a logic of free reappropriation of techniques without maintaining the (sometimes) dogmatic conception of artisanal work.
While his initial training partly shaped his relationship to manual and collective work, it’s now through multiple collaborations with other artists from the visual arts (Marine Wallon, Eva Nielsen, Gaël Darras), music (Charles Dubois) or culinary creation (La cuisine sauvage, Solo chaud), that his tools-sculptures give pride of place to low tech (low technologies); his sound, activated or intermittently paused works enlighten our relationship to consumption, exploitation of ressources, standardization of objects and planned obsolescence.
Of water, air and fire: an alloy of all skills
On the edge of the Ring Road, at Saint-Ouen and Bagnolet, where The Wonder was located before settling in Nanterre then in Clichy, in a former printing house, François Dufeil salvages many scattered ressources and creates a dialogue between his artistic knowledge an the D system. Little by little he acquires a high level of expertise which he combines with a poetic and musical approach to the sculpture that denotes by taking the reverse of industrialisation thanks to a liberation of organic and inorganic forces.
To do so, he experiments in and with urban space. Among these experiments, he designed a foundry dug straight into the bitumen of the Wonder-Liebert car park in Bagnolet, to melt pieces and collaborate with other artists. By appropriating this metallurgical knowledge, he fashioned brass to make bells with specific harmonics, warm, mellow or singing tones. With the help of fire, the sun’s heat or water, he tames the musicality of this casting practice, during a residency in Corsica with U Carbonaru, some kind of video collection of the bell foundry’s collective manufacture, or with the works Four solaire à vapeur and Cloche sous pression. For the latter, the variation of the notes is done with the help of a pressurized water circuit.
The percussion of the cylinders and bells are designed with chopsticks made by the percussionist Charles Dubois, who explores mechanical, repetitive gestures with primitive sounds. Activation through movements and musical performance brings forth the vital energy of inert objects.
Towards autonomy and conviviality of working together
Much more than a scrap dealer-gatherer who draw on the metal stock of our deserted cities and disused industrial areas, François Dufeil elaborates above all a “techno-discernment” (3), in order to remake society. By moving towards a society based partly on low technology, he reappropriates its production tools in a constructive way of thinking, giving full value to autonomy. Between collective imaginaries and social reinventions, his works are objects that make do, according to an expression of anthropologist Tim Ingold.
If this “poetics of the use of tools” is a way of learning the world and the “construction” of our environments, then the artist combines soft skills with know-how. Because building is also a way of building oneself by increasing the world and reconnecting with it. by reversing values and our use of technology, this conception of (self) doing owes also a lot to the hacker ethics, as well as to the spirit which animates the defenders of free-software, in other words the will to create and share by getting rid of the constraints imposed by the market, profitability, property rights (4).
Through this experimentation of our newfound autonomy, the works of François Dufeil make us hear an animist revolt of objects, as if they were endowed with life. Between the greatness and decadence of a productivist and consumerist system, magnetic fluids and energies are released like forces in a song of independence, colored and filled with collective joy. Thanks to the refusal of disciplinary segmentation and by the constant transformation of the elements in their raw state, the artist captures the waves, the poetic frequencies between the tool and our bodies by sharing his personal quest for knowledge and emancipation.
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«J’appelle société conviviale une société où l’outil moderne est au service de la personne intégrée à la collectivité, et non au service d’un corps des spécialistes. Conviviale est la société où l’homme contrôle l’outil.» (1)
Fondre, claquer, presser, frapper, brûler, tourner. Tout est ici fluide, potentiellement en mouvement, et incandescent. Si l’on suit François Dufeil, rien ou peu ne distingue un‧e artisan‧e, d’un‧e artiste, d’un‧e ingénieur‧e et d’un‧e inventeur‧rice. Co-fondateur du collectif Le Wonder, lieu de vie et de travail autogéré par des artistes, c’est dans son atelier en sous-sol qu’il détourne des objets liés au feu (extincteurs, bonbonnes de gaz…) et aux fluides (robinetteries, cuves…). Lors de résidences ou dans l’espace public, il précise également un savoir alternatif en lien avec une tradition artisanale et ouvrière qui induit une grande maitrise des techniques et des connaissances de notre environnement naturel, industriel et social.
Ayant pratiqué la peinture pendant ou en parallèle de sa formation en génie climatique chez les Compagnons du Devoir et du Tour de France (2) puis en écoles d’art, François Dufeil, soucieux de ne pas dénaturer l’esprit de la matière, a su condenser très vite des expériences dans un objet, lui donner une forme en inventant ou en réinterprétant les automatismes d’une machine à partir d’un geste. Si le clivage historique entre la théorie et la pratique, l’artiste et l’artisan et donc le travail intellectuel et le travail technique est ici dépassé, c’est principalement en sédimentant tous les savoirs dans une logique de réappropriation libre des techniques sans conserver la conception (parfois) dogmatique du travail artisanal.
Alors que sa formation initiale a façonné en partie son rapport au travail manuel et collectif, c’est désormais à travers de multiples collaborations avec d’autres artistes venant des arts visuels (Marine Wallon, Eva Nielsen, Gaël Darras), de la musique (Charles Dubois) ou de la création culinaire (La cuisine sauvage, Solo chaud) que ses outils-sculptures font la part belle aux low tech (basses technologies) ; ses œuvres, sonores, actives ou en pause par intermittence, éclairent notre relation à la consommation, à l’exploitation des ressources, à la standardisation des objets ou encore à l’obsolescence programmée.
D’eau, de terre, d’air et de feu : un alliage de tous les savoir-faire
Au bord du périphérique, à St Ouen et à Bagnolet, où se trouvait le Wonder avant de s’implanter à Nanterre puis Clichy dans une ancienne imprimerie, François Dufeil récupère de nombreuses ressources dispersées et fait dialoguer son savoir artistique avec le système D. Petit à petit, il acquiert un niveau d’expertise élevé qu’il combine avec une approche poétique et musicale de la pratique de la sculpture qui dénote en prenant l’envers de l’industrialisation par une libération des forces organiques et inorganiques.
Pour ce faire, il expérimente dans et avec l’espace urbain. Parmi ces expérimentations, il conçoit une fonderie creusée directement dans le bitume du parking du Wonder/Liebert à Bagnolet pour y fondre des pièces et collaborer avec d’autres artistes. En s’appropriant ce savoir métallurgique, il façonne le laiton pour en faire des cloches avec des harmoniques spécifiques aux sons chauds, moelleux ou chantants. À l’aide du feu, de la chaleur du soleil ou encore de l’eau, il apprivoise la musicalité de cette pratique de la fonte lors d’une résidence en Corse avec U carbonaru, sorte de recueil en vidéo de la fabrication collective d’une fonderie de cloches, ou encore avec les œuvres, Four solaire à vapeur et Cloches sous pression. Pour cette dernière, la variation des notes se fait grâce à un circuit d’eau sous pression. Les percussions des bonbonnes et des cloches sont conçues avec des baguettes fabriquées par le percussionniste Charles Dubois qui explore des gestes mécaniques, répétitifs avec des sonorités primitives. L’activation par le mouvement et la performance musicale fait jaillir l’énergie vitale des objets inertes.
Vers l’autonomie et la convivialité pour faire ensemble
Bien plus qu’un ferrailleur-cueilleur qui puise dans le stock métallique de nos villes désertées et de nos zones industrielles désaffectées, François Dufeil élabore surtout un « techno-discernement » (3) pour re-faire société. En s’orientant vers une société basée en partie sur des basses technologies, il se réapproprie ses outils de production dans une pensée constructive donnant toute sa valeur à l’autonomie. Entre imaginaires collectifs et réinventions sociales, ses œuvres sont des objets qui font faire, selon une expression de l’anthropologue Tim Ingold.
Si cette « poétique de l’usage des outils » est un apprentissage du monde et de la « construction » de nos environnements, alors l’artiste conjugue le savoir-être avec le savoir-faire. Car construire est aussi une manière de se construire soi-même en augmentant le monde et en nous reconnectant à lui. Par un renversement des valeurs et de notre usage des technologies, cette conception du faire (soi-même) doit beaucoup aussi à l’éthique hacker ainsi qu’à l’esprit qui anime les défenseurs du logiciel libre, autrement dit à la volonté de créer et de partager en se défaisant des contraintes imposées par le marché, la rentabilité, le droit de propriété (4).
À travers cette expérimentation de notre autonomie retrouvée, les œuvres de François Dufeil font entendre une révolte animiste des objets comme s’ils étaient doués de vie. Entre grandeur et décadence d’un système productiviste et consumériste, les fluides et énergies magnétiques se libèrent telles des forces en un chant d’indépendance coloré et empli de joie collective. C’est grâce au refus de la segmentation disciplinaire et par la transformation constante des éléments à l’état brut, que l’artiste capte les ondes, les fréquences poétiques entre l’outil et nos corps en partageant sa quête personnelle de savoir et d’émancipation.
(1) Ivan Illich, La Convivialité, Paris, Seuil,1973, p. 13
(2) L’association ouvrière des compagnons du Devoir et du Tour de France est une association de loi 1901 destinée à la formation et à l’apprentissage de plusieurs métiers suivant les traditions du compagnonnage. Son objet est de permettre à chacun et chacune de s’accomplir dans et par le métier dans un esprit d’ouverture et de partage. (Source Wikipédia). (The workers’ association of the compagnons du Devoir and the Tour de France is an association of law 1901 intended for training and apprenticeship of several trades according to the traditions of companionship. Its purpose is to allow everyone to be fulfilled in and through the profession in a spirit of openness and sharing.)
(3) Philippe Bihouix, L’âge des low tech, Vers une civilisation techniquement soutenable, Paris, Seuil, Essais, 2014, p. 283
(4) Michel Lallement, L’âge du faire, Hacking, travail, anarchie, Paris, Seuil, essai, 2018, p.12
Text written by Philippe Bihouix for monographic edition Chlaaak Tuuung Fiiiiiit about François Dufeil work’s edited by Centre d’Art La Graineterie — January 2022
Le terme low-tech a de quoi, a priori, provoquer quelques réactions de rejet : qui voudrait se faire soigner dans un hôpital low-tech, monter sans crainte dans une voiture low-tech ? Nous nous sommes habitués, depuis des décennies, à l’incroyable efficacité des high-techs, aux innovations rapides et nombreuses dans tous les secteurs, à la progression phénoménale des performances de l’électronique et de l’informatique, à l’irruption toujours plus grande du numérique dans nos vies, nos villes, dans les objets et les services du quotidien.
Face aux enjeux environnementaux, nous comptons, avant tout, sur les nouvelles technologies pour nous « réinscrire » dans les limites planétaires: énergies renouvelables, hydrogène, applications numériques, villes intelligentes et logements rénovés aux dépenses énergétiques contrôlées et optimisées, véhicules autonomes que l’on pourra partager, systèmes de capture et séquestration du carbone… Pourtant, la course en avant via le « tout-technologique » porte peut- être en elle autant de problèmes que de « solutions », autant de fragilités que d’espoirs. Les partisans des low-tech ne sont pas des « rétrogrades » qui fantasment un retour aux temps troglodytiques, ou une écologie de « la lampe à huile » (1) ; ils questionnent la stratégie de transition et recommandent une autre approche, plus prudente peut-être, par les technologies sobres, agiles et résilientes.
D’abord, les high-techs consomment des ressources, en particulier de nombreux métaux différents. On ne constate aucune dématérialisation de l’économie : on extrait de la croûte terrestre, au contraire, une quantité toujours plus grande chaque année; en outre, de nombreuses études pointent la gigantesque accélération de l’extraction qui sera nécessaire pour nourrir la transition énergétique (2) à base d’énergies renouvelables et de véhicules électriques.
Les métaux, une fois extraits, ne disparaissent pas, ils sont stockés dans les bâtiments, les infrastructures, les objets, et sont théoriquement recyclables sans perte de qualité. Mais cette logique d’économie circulaire ne pourra fonctionner que très partiellement si l’on ne change pas radicalement notre façon de produire et de consommer. Nous sommes, à date, bien loin de pouvoir recycler « à 100% ». D’une part, il faut récupérer physiquement la ressource, ce qui est impossible dans le cas d’usages dispersifs – lorsque les métaux sont utilisés comme produits chimiques, additifs, colorants, dans les verres, les plastiques, les encres, les peintures, les textiles, le papier, les pneus, les cosmétiques, les dentifrices, les crèmes solaires… D’autre part, il est difficile de recycler correctement. Nous concevons des produits d’une diversité et d’une complexité inouïes, à base de composites, d’alliages, de composants miniaturisés et intégrés (comme dans les cartes et les équipements électroniques), de nanotechnologies… On utilise des dizaines de métaux différents dans un ordinateur, un smartphone. Cette complexité limite notre capacité, technologique ou économique, à séparer les différents métaux, et entraîne un mélange et une perte de matières. Sur la soixantaine de métaux utilisés industriellement, plus de la moitié, notamment les métaux high-tech, indium, germanium, gallium, tantale, terres rares (lanthanides) sont recyclés… à moins de 1% à l’échelle mondiale (3) !
Ensuite, si certaines technologies peuvent sembler intéressantes, leurs bénéfices environnementaux réels sont loin d’être évidents. Certes, la numérisation de tous les secteurs semble ouvrir des perspectives vers un monde plus efficace : déplacements fluidifiés, économie du partage, collaborative, décentralisée… Mais quel système numérique sera nécessaire, et avec quel impact environnemental ? Le déploiement massif d’équipements digitaux, d’infrastructures de télécommunications (antennes-relais, routeurs, câbles terrestres et sous-marins, satellites…) et du cloud (data centers) exerce déjà une pression énorme sur les ressources et les besoins électriques.
Enfin, il y a l’effet rebond (4) : les produits et services sont certes unitairement plus efficaces, mais on en consomme toujours plus… On rénove thermiquement les bâtiments, mais les températures de confort augmentent ; on ouvre de nouvelles lignes de train à grande vitesse, mais elles ne vident pas les avions car elles induisent des nouveaux besoins de déplacement ; dans le numérique, les gains d’efficacité sont phénoménaux, mais la quantité de données produite, échangée, stockée, double tous les deux ans ou moins, avec le streaming, les réseaux sociaux, les formats toujours plus « puissants » des vidéos.
La démarche low-tech vise donc à orienter l’innovation vers une réduction réelle de l’empreinte environnementale, une innovation technique mais aussi sociale, culturelle, organisationnelle, systémique, avec trois mots d’ordre : sobriété et économie à la source ; conception basée sur des techniques durables et réparables, les plus simples possibles ; « techno-discernement » avec un usage réfléchi des technologies et leurs précieuses ressources. Le gâchis est partout et les pistes pour la sobriété nombreuses : dans le bâtiment, moins construire (et intensifier l’usage des surfaces existantes), moins chauffer (en isolant mais aussi en repensant le confort thermique) ; dans le transport, moins se déplacer, avec des modes doux ou des véhicules bien plus légers ; dans la consommation quotidienne, faire durer les objets ; etc.
Penser low-tech, c’est bien donc plus que concevoir une machine à laver à pédales ou la douche solaire du futur. C’est faire évoluer collectivement nos modes de production et de consommation : artisanat ou ateliers de production à petite échelle (savons, produits d’entretien, cosmétiques, vêtements, produits alimentaires transformés, rénovation écologique de l’habitat…), circuits de distribution plus courts, initiatives zéro déchet, lieux de réparation citoyenne, « recycleries–ressourceries » pour le réemploi des objets… le tout relayé, soutenu, démultiplié par la puissance publique, via son pouvoir normatif et réglementaire, ses choix fiscaux, la commande publique, son pouvoir d’exemplarité et d’entraînement.
C’est réfléchir à un modèle alternatif vraiment… disruptif, encore à inventer et à expérimenter : celui d’un système économique de post-croissance, capable d’offrir aux populations des emplois pérennes, des initiatives porteuses de développement local et créatrices de lien social, une société plus apaisée, plus résiliente et plus respectueuse des écosystèmes.
Le travail de François Dufeil nous rappelle à la matérialité du monde, même si celle-ci a été parfois invisibilisée, par la délocalisation d’une partie de la production, par le remplacement d’une partie du travail artisanal – chassé par une approche industrialisée indéniablement plus « productive » –, par le développement plutôt discret des infrastructures numériques, sous les trottoirs, sur les toits, à l’abri des hangars des datacenters. Mais nous continuons à vivre à « l’âge des métaux », en exploitant un stock qui a été lentement accumulé par la planète, et qu’il nous faut apprendre, au plus vite, à exploiter avec précaution et respect, en apaisant nos processus de production et nos modes de consommation.
(1) Cf. discours d’Emmanuel Macron devant les entrepreneuses et entrepreneurs de la French Tech, Palais de l’Elysée, 14.09.2020.
(2) Banque mondiale, The growing role of minerals and metals for a low carbon future, 2017; Agence internationale de l’énergie, The role of critical minerals in clean energy transitions, 2021.
(3) Programme des Nations unies pour l’environnement, Recycling metals. Opportunities, limits, infrastructure, 2013.
(4) Ou paradoxe de Jevons.
Text written by Ilan Michel about Si mer la lune exhibition at Bonus — July 2022
Les pieds sur terre et la tête dans les étoiles, François Dufeil a le goût de l’aventure et la furieuse envie de conduire l’exploration jusqu’au bout. Quand l’artiste se lance dans un projet, il est loin d’imaginer toutes les épreuves qu’il devra traverser. Formé en génie climatique auprès des Compagnons du Devoir et du Tour de France avant de s’inscrire à l’École des beaux-arts d’Angers, puis à l’École des Arts Décoratifs de Paris, le poète-ingénieur part toujours d’une question pratique : fabriquer un instrument à percussions, un tour de potiers, un tamis à sérigraphier… autant de sculptures-outils qui reposent sur la mécanique des fluides. Cependant, au lieu de remobiliser les recettes traditionnelles, François Dufeil choisit l’option B, celle un peu plus hasardeuse, celle qui a été laissée de côté, et dont il est le premier surpris.
En 2020, il découvre les plans du bélier hydraulique conçue en 1792 par Joseph-Michel Montgolfier (plus connu pour l’invention du ballon à air chaud). Cette pompe offre l’avantage de puiser l’eau par la simple pression de l’air, un clapet anti-retour empêchant le flux de revenir en arrière. Le système, qui fonctionne grâce à l’énergie motrice de la différence de niveaux, permet de refouler le liquide de façon continue à 10 mètres de hauteur grâce à une onde de choc. Ce principe, peu exploité en raison de son faible rendement (70 % de l’eau est perdue), répond pourtant à nos besoins en énergie dans une veine écologique. Nul besoin d’électricité, d’essence ou de force humaine pour mettre en branle la machine. La microédition qui accompagne l’exposition démontre ce potentiel presque magique révélé par la sculpture. Un petit mode d’emploi est suspendu aux structures de tiges de fer qui soutiennent ces nombreux prototypes. L’ouvrage élaboré par le graphiste Cédric Pierre est enveloppé dans une couverture couleur de lune argentée recouverte par une passe de risographie jaune évoquant une ligne de flottaison.
Lors de sa résidence à Bonus l’hiver dernier, inspiré par la force des marées, l’artiste s’est aventuré à réinterpréter le système de façon artisanale, en faisant usage de matériaux insolites : le plâtre, la faïence ferrugineuse, le verre, le béton, la cire d’abeille… et même la vase des bords de Loire. L’artiste dit souvent que « la technique [l’] a dépassé » dans son désir de « tenir la forme impossible ». Faire passer une forme à une autre est le fondement de ces sculptures qui ne sont pas des objets finis, malgré la qualité de leur réalisation, mais les états d’une recherche qui laisse l’œuvre ouverte. Le moule est donc au centre du processus. En plâtre, silicone ou en résine, il n’est pas toujours visible. En tout cas, on ne sait pas si le résultat présenté sous nos yeux en est la matrice ou le tirage. Récolter, forger, mouler, poncer sont les gestes du sculpteur, mais tous les matériaux ne réagissent pas de la même manière. Certains, comme le verre thermoformé, nécessitent de faire appel à des techniciens spécialisés – l’entreprise Arcam Glass, à Vertou, par exemple.
Le projet initial de cette résidence consistait à créer un bélier hydraulique limoneux et à le faire fonctionner avec l’énergie des marées. D’où le titre de cette exposition dont le verlan — Si mer la lune — souligne les énergies océaniques qui remontent l’estuaire par le pouvoir de l’astre nocturne. Ce point de départ a poussé l’artiste à recouvrir de vase les murs immaculés de l’espace d’exposition. Projetée grâce à une machine à crépir, la substance visqueuse renverse le territoire à la verticale jusqu’à submerger le spectateur. Cette subite montée des eaux est certes un geste téméraire mais surtout plein d’audace : proposer enfin de sortir de la boîte blanche ! Les niveaux créés par ce drôle d’enduit, autant que la texture fangeuse, suggèrent avec délice qu’il a fallu se traîner dans la boue pour, peut-être, en « faire de l’or », selon l’ambition du poète Charles Baudelaire. Si les savoir-faire artisanaux et les ressources locales sont mis au service des recherches plastiques, ils participent ici d’une nouvelle utopie : exhumer des procédés oubliés par l’histoire des sciences à l’ère des technologies de pointe, mais surtout faire de la sculpture un bagage léger sans cesse métamorphosé par les matières du paysage.
Text written by Alexia Pierre about exhibition Partages — September 2019
Retentit le bruit sourd émis par une cuve de vigneron. Les attentions convergent, les ouïes se tendent, les corps naturellement se rassemblent aux premières notes du curieux concert que nous livrent Cu2+ (2022) et Vases d’Expansion (2021) de François Dufeil. Presque holistiques, des résonances semblables à celles d’un xylophone s’échappent de bouteilles de plongée, bonbonnes de gaz et extincteurs multicolores, occupent l’espace. Les sculptures activables se réinventent en instruments. L’artiste recherche la perméabilité entre musique et art. À travers une expérience sonore liant le public, avoisinant la méditation, l’on peut presque entrevoir une forme « d’écoute profonde » (1) fédérant unisson et convivialité. L’exposition devient vivante, tant que tambourine le percussionniste. Comme lors de la première expérimentation avec Cloches sous Pression (2019), cette œuvre ne se réalise pleinement que lorsque Charles Dubois se saisit des baguettes.
Pour Dufeil, chacune de ses « sculptures-outils » possède un potentiel s’activant par la collaboration performative. Prétextes aux situations de rencontre, pour révéler leurs usages incongrus mais utiles, elles s’accompagnent d’invitations faites à différents praticiens. Ainsi, Eva Nielsen actionne Presse à poussières (2021) pour créer de nouvelles sérigraphies tandis que Alice Nikolaeva ou Victor Alarçon grimpent sur un siège haut perché pour un tour de Poterie Centripète (2021-22). Faire commun, à travers ces actions, génère de véritables moments de cohésion tout de même agrémentés de surprises inopinées. L’instant de partage est d’autant plus précieux quand la performance s’arrête brusquement, la surprise dans l’assemblée se répand : la poterie s’est cassée. L’imprévu. L’imparfait. La dysfonction. Une pointe d’ironie dans la démarche mimétique de l’artiste, refusant toute rentabilité industrielle pour mieux jouir du déploiement de l’effort artisanal.
Cette sauvegarde de savoir-faire rares et anciens qu’il recycle dans ses inventions, il l’emprunte au cours de sa formation polyvalente aux Compagnons du Devoir. Il en retient cette façon de travailler en communauté. Il rejoint en 2015 le collectif du Wonder, privilégiant la multiplicité des échanges, la circularité des ressources. Cette dernière s’opère également dans le choix de ses matériaux à plusieurs vies. « Remâcher des rebuts industriels » et les associer aux éléments naturels, l’eau des batteries, le feu d’une fonderie, ou encore une Station Solaire à Vapeur (2020), c’est aussi apprivoiser une certaine relationnalité naturelle à travers les objets. C’est innover vers « l’homéotechnologie » (2). C’est proposer une autre manière de façonner nos habitats par tagés.
(1) Référence au concept de « Deep Listening », inventé par la compositrice Pauline Oliveros
(2) Concept emprunté à Peter Sloterdijk. Référencé dans Nicolas Bourriaud, Inclusions : Esthétique du capitalocène (Presses Universitaires de France Humensis, Paris, 2021)
Text written by Licia Demuro about residencie at Usine Utopik - Centre de Création Contemporaine — Automn 2022
Alors que l’art contemporain tente de sortir de l’impasse écologique engendrée par la fabrication effrénée de nouvelles œuvres et scénographies, François Dufeil se distingue par une pratique entièrement autoproduite, ancrée dans le réemploi de rebuts métalliques. Vieilles bonbonnes de gaz, extincteurs, robinets ou bouteilles de plongée se retrouvent fondus, découpés et assemblés au sein de sculptures que l’artiste compose à la manière d’un inventeur de low tech.
Fasciné par les techniques de fonte et par les possibles transformations des matériaux industriels, il met au centre de son œuvre la question de la réappropriation des moyens et des méthodes de production, autant dans les procédés de réalisation que dans les sujets qu’il explore. Suivant cette approche totale, il crée des « sculptures-outils », dont certaines interrogent les fonctionnalités et les mécanismes des outils eux-mêmes, tandis que d’autres se destinent à être activées par des personnes aux savoir-faire spécifiques.
Dans la première catégorie figurent des œuvres réalisées en détournant les usages d’environnements et d’ustensiles banals, comme par exemple la Fonderie somnolente, véritable système de fonderie que l’artiste a littéralement installé sous une place de parking en face de son atelier et dont il s’est servi pendant toute une année. Explorant ainsi l’autonomie de la main sur la matière, François Dufeil se confronte inévitablement à la question de la ressource énergétique, qui devient l’un des sujets constitutifs de sa pratique. Il crée alors son propre charbon grâce à son installation U Carbonaru (2019) ; construit une éolienne pour alimenter en oxygène sa pièce Moulin à feu (2020), utilisée à la fois en tant que fonderie, forge et four à céramique ; et réinvente un four solaire en machine à vapeur pour son projet Station solaire à vapeur (2020).
Entre ingénierie et art, ses œuvres font basculer la machine dans son rôle premier de transformateur du réel. Le geste technique de l’artiste qui « articule des temporalités, des espaces, et des imaginaires » (1), s’infiltre dans les rouages invisibilisés par la société industrielle pour en renverser les relations de consommation et d’automatisation.
Collaborative et interactive, la deuxième catégorie de ses sculptures-outils ouvre le champ d’action à d’autres métiers issus de la création et de l’artisanat. Les gestes habiles de potier.e.s, cuisinier.e.s, fondeur.se.s, musicien.ne.s et peintres s’immiscent alors dans le façonnage des formes créées et dans leur mise en mouvement. L’interaction qui en découle influence autant la main de l’artiste que celle de la personnalité invitée, tout en bousculant leurs réflexes de création.
Parmi les activations réalisées, François Dufeil invite plusieurs peintres à expérimenter sa Presse à poussière, presse à sérigraphie construite à la verticale pour une application murale au sein des expositions auxquelles il participe. Dans le même esprit, l’artiste réalise Poterie centripète, un tour de poterie réinventé, inspiré d’une technique antique où une roue de charrette permettait d’impulser le mouvement rotatif. Des céramistes invité.e.s y ont réalisé de nouvelles pièces laissant la force centripète influencer leurs formes. Autant de collaborations qui déconstruisent et réinventent la posture utilitaire à la machine et à l’outil contemporains pour réinscrire le sensible et l’empirisme au cœur de la technique. C’est en poursuivant ses expériences de partage que l’artiste commence à explorer les potentialités sonores de ses sculptures.
Les matérialités métalliques des contenants industriels qu’il réutilise, révèlent une surprenante étendue de sonorités qui aiguise sa curiosité. Il entame alors, en 2019, une exploration faite de découpes et de réassemblages successifs qui lui permettent d’expérimenter toutes les possibles vibrations retentissant entre les vides et les pleins. Pour atteindre la justesse des notes musicales, il met au point un système de tuyauterie qui remplit plus ou moins chaque objet avec de l’eau par un jeu de pression, en agissant ainsi sur leurs capacités de résonance. Il embarque dans cette aventure le percussionniste Charles Dubois dont l’oreille musicale vient ajuster et perfectionner cette nouvelle sculpture-instrument, intitulée Cloches sous pression, en vue d’une future activation. Cette dernière sera même enregistrée et éditée en disque vinyl.
L’exploration continue, guidée par le désir de compléter les tonalités aiguës de l’instrument par davantage de basses et d’autres nuances sonores. A l’image des percussions actuelles, l’installation s’enrichit de nouvelles gammes grâce à l’ajout d’éléments complémentaires : des tambours dont la peau est remplacée par des résidus de pneu ; des xylophones en laiton obtenus de la fonte de vieux robinets ; des cloches réalisées en bonbonnes découpées ; des cymbales faites à partir de vases d’expansion prélevés sur de vieilles chaudières. Charles Dubois en percute ensuite chaque partie au moyen de différentes baguettes, en sondant musicalement la matière transformée.
Le projet mené à l’Usine Utopik s’inscrit dans la continuité de cette sculpture-instrument au déploiement monumental. Après l’avoir expérimentée dans plusieurs salles d’exposition, le duo a en projet de performer le dispositif selon les codes du concert, en salle de spectacle. L’œuvre se réadapte alors — comme toujours dans la pratique de l’artiste — au contexte et à l’usage. Il faut donc recréer l’installation de façon à pouvoir la transporter plus facilement, à la manière d’un véritable instrument de musique. Pour la reproduire à plus petite échelle, l’artiste se sert d’objets trouvés sur le territoire lors de brocantes. En guise de caisse de résonance, un pot de lait et des marmites à confiture produiront des fréquences basses, tandis que plus loin deux dames jeannes feront circuler les fluides qui aideront les notes à sonner juste.
Les contraintes matérielles s’affirment ici en précieux moteurs de création. L’artiste s’en empare pour effacer les frontières entre les champs artistiques et susciter l’élan coopératif. Portant à son paroxysme la thèse énoncée par l’anthropologue Tim Ingold selon laquelle les objets sont dotés d’agentivité, car ils « forcent les personnes à faire ce qu’elles n’avaient pas l’intention de faire » (2), l’œuvre de François Dufeil ouvre un dialogue surprenant et radical autour de la possibilité du geste et de la matière à l’ère de l’hyper-industrialisation de la société.
(1) Marie-Pierre Julien et Céline Rosselin, III. Technique versus consommation ?, La culture matérielle, 2005.
(2) Tim Ingold, Faire. Anthropologie, archéologie, art et architecture, Edition Dehors, 2018.
Text written by Florian Gaité for catalog of 13e Biennale de la jeune création exhibition at Centre d’Art La Graineterie — September 2020 (french version below)
A former Compagnon du Devoir apprentice and member of the Wonder Collective, François Dufeil has placed artisanal expertise and its transmission at the heart of his approach. By diverting industrial objects and displacing laboral gestures (such as plumbing, welding, sewing…), he produces pieces that escape the logic of production in favor of alternative modes of activation, specific to emergency situations or a self-managed economy. A plodder turned kitchen utensil or a gas bottle serving as a sleepy foundry de-functionalize these primary objects as to assign them new, most often collective uses: cooking, making music, recycling waste, or minting money. The gas canister, which articulates the harmlessness of a domestic object with the danger of the homemade bomb, is representative of an approach transforming an aggressive form into a more generous and practical usage. Conceived as a “system of emancipation”, autonomous and low tech, each work is more of a tool, which can be activated by the body alone, than an alienating machine.
In the installation on display, a completely handmade wind turbine supplies energy to a motor that has been gutted of its electrical system. Connected by a conduit to a furnace (at once a foundry, forge, and ceramic kiln), it provides it with the oxygen necessary for the combustion of fire. Previously used to fire brasque (clay, crushed charcoal, straw), this remodeled expansion tank bears the traces of carbonization that have damaged its paint. In another piece, François Dufeil elaborates an earth filtration system composed of three ceramic elements, two of which are shaped with the use of coil pottery, an ancestral technique he reappropriates. Used to collect and purify the wet matter, which is supplied by a water heater converted into a mud mixer, the sculpture produces a clay that can then be placed inside of the kiln, thus completing the system of resonance linking the pieces together.
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Ancien aspirant Compagnon du Devoir, membre du collectif Wonder, François Dufeil a placé le savoir-faire artisanal et son partage au cœur de sa démarche. Par le détournement d’objets industriels et le déplacement de gestes ouvriers (plomberie, soudure, couture…), il produit des pièces qui échappent à la logique productiviste au profit de modes d’activation alternatifs, propres aux situations d’urgence ou à une économie autogérée. Une Boudineuse qui devient ustensile de cuisine ou une bouteille de gaz qui sert de Fonderie somnolente dé-fonctionnalisent ces objets premiers pour les assigner à de nouveaux usages, le plus souvent collectifs : cuisiner, faire de la musique, recycler des déchets ou frapper une monnaie. La bonbonne, qui articule l’inoffensivité d’un objet domestique à la dangerosité de la bombe artisanale, est exemplaire d’une démarche qui investit des formes agressives pour les destiner à des utilisations pratiques plus généreuses. Conçue comme un « système d’émancipation », autonome et low-tech, chaque œuvre tient ainsi davantage de l’outil, activable par le seul corps, que de la machine aliénante.
Dans l’installation présentée, une éolienne, entièrement réalisée à la main, alimente en énergie un moteur vidé de son système électrique. Reliée par un conduit à un four (à la fois fonderie, forge et four à céramique), elle lui fournit l’oxygène nécessaire à la combustion du feu. Ayant servi au préalable à cuire de la brasque (argile, charbon de bois pilé, paille), ce vase d’expansion remodelé porte les traces de carbonisation qui ont abimé sa peinture. Dans une dernière pièce, François Dufeil élabore un système de filtration de terre, composé de trois éléments en céramique, dont deux façonnés au colombin, une technique ancestrale qu’il se réapproprie. Servant à recueillir et à épurer la matière humide, fournie par un chauffe-eau reconverti en malaxeur de boue, la sculpture permet de produire une argile qui peut ensuite passer au four, bouclant le système de résonance qui relie les pièces entre elles.
Text written by Vanessa Theodoropoulou for catalog of Étoiles distantes exhibition at FRAC Pays de la Loire — July 2020
Comment sont fabriqués les outils des constructeurs et des poètes de notre monde matériel et sensible, quelles prouesses techniques exigent‐ils et comment celles‐ci ontelles évolué dans le temps ? Qu’en est‐il de leur aspect esthétique ? En observant attentivement les sculptures de François Dufeil, figées dans l’espace ou temporairement activées par ses artistes invités, on commence à mieux saisir le sens de ces interrogations, génératrices de sa pratique artistique. Il faut dire qu’avant d’intégrer le monde de l’art François Dufeil a été longuement formé dans les métiers du faire, suffisamment pour se sentir à même de les détourner. L’obtention de ses diplômes en design et en arts plastiques de l’ESAD d’Angers et de l’ENSAD de Paris (2011‐2017), a précédé une période de six ans d’apprentissage auprès des Compagnons du devoir du Tour de France (Rennes). De cette expérience édifiante qui lui a permis d’acquérir des savoirs‐faire techniques précieux, notamment sur la gestion et la circulation des fluides (plomberie, chauffage, climatisation) et transmis le plaisir de travailler en collaboration, l’artiste affirme être sorti avec une certitude déterminante. Plus que les œuvres, ce qui l’intéresse sont les moyens et les processus, le jeu avec les matériaux, les techniques et les disciplines qui produisent nos formes.
À commencer par l’architecture. L’art d’aménager le territoire et de façonner notre milieu de vie et ses figures héroïques (de Vauban à Le Corbusier) fait l’objet de ses premières sculptures et installations réalisées en grande partie au sein du collectif autogéré Wonder/Liebert dont il est l’un des membres fondateurs, une micro‐communauté d’artistes de tout horizon à la recherche de lieux de production/exposition libres des contraintes du marché de l’art (Les résidus dystopiques, 2013, Spot de replis, 2015, Folie obsidionale, 2016). Suivront les premières pièces bricolées aux formes incongrues, outils ou instruments composées d’objets de récupération essentiellement industriels (bonbonnes, pistons, extincteurs, presses) dans lesquels sont injectés des matières organiques, pierres, cire d’abeille, tissus de soie ou de lin, terre crue (Boudineuse, Pilon à vapeur, Téquaté LO Niktété, 2018, U Carbonaru, Éclats d’urgence, 2019). L’artiste s’amuse à adapter des techniques traditionnelles qu’il va chercher dans les livres et les archives open source de la culture matérielle mondiale, à son bricolage fonctionnel improvisé, et surtout à mettre ses outils à la disposition de ses compagnons artistes. Lors du parcours imaginé à Angers, du Musée des Beaux‐arts à la place du Ralliement, ce sera à eux d’activer ses pièces devant le public, que ce soit pour générer des affiches sérigraphiées d’après une ancienne technique chinoise adaptée, et accrochées sur le kiosque du collectif Octo-Verso (Presse à poussières, 2019, artiste invité : Gaël Darras), ou du son sur des étonnantes Cloches sous pression 2019 (percussionniste invité : Charles Dubois). Pour François Dufeil, la fonction des outils doit rester libre et indécise, soumise aux gestes et aux désirs indéfinis de leurs usagers occasionnels.
Text written by Léo Guy-Denarcy for Cloches sous pression about La Fabrique residencie at Parc Saint Léger - Centre d’Art Contemporain — July 2019
Cloches sous pression est un instrument de percussion à eau réalisé par François Dufeil durant la résidence La Fabrique #1 au Parc Saint Léger. L’œuvre est conçue spécialement pour le musicien Charles Dubois qui l’essaie au Pavillon des sources du 1 au 4 juillet 2019. Elle est composée de 7 éléments produits à partir de bonbonnes de gaz ou d’extincteurs, parfois entières ou découpées afin d’en modifier la sonorité et le ton. L’instrument est alimenté en eau durant son utilisation et les instruments sont reliés et articulés par un ensemble de canalisations et de vannes permettant au musicien d’amplifier ou de diminuer le débit sur l’un ou l’autre des éléments.
En écho à plusieurs travaux précédents de François Dufeil, Cloches sous pression utilise comme matériau principal la bonbonne, un objet qui transporte avec lui les stigmates du terrorisme et de la dangerosité. Si l’artiste se réfère a la menace inhérente aux substances explosives, il fait également référence dans cette réalisation aux notions de DIY et du recyclage propre à son univers visuel. Ainsi, pouvons nous retrouver dans ses formes l’esthétique de la Fonderie somnolente (2017), véritable forge installée sous le parking du Wonder/Liebert à Bagnolet, lieu qu’il a contribué à créer entre 2016 et 2018. Également, le Pilon à vapeur (2018) ou Boudineuse (2017) forment avec La Fonderie un ensemble en permanente évolution que l’artiste désigne sous le nom de sculpture-outil. Il s’agit alors de donner un autre mode d’existence aux objets techniques et de paraphraser ainsi Gilbert Simondon entre objet technique et primitif qui se fait à son tour technique et esthétique. Cet attrait pour l’outil dans le travail de François Dufeil, qu’il soit instrument de musique ou sculpture permettant de frapper monnaie, se cristallise dans le rapport qu’il entretient avec le spectateur et l’action, c’est à dire le mouvement, qu’il l’invite à réaliser au contact de ses oeuvres. Il nous demande de toucher et d’agir, de soulever et de contraindre pour observer le fonctionnement mais aussi pour nous rendre curieux de sa composition.
Cloches sous pression fonctionne ici selon le même rapport de cristallisation d’un lien social utilisant en l’occurence deux lieux particuliers de la collectivité. Il s’agit premièrement des sources du Parc Saint Léger qui ont construit la ville par leur seules existences. Instrument directement placé sous le signe du flux et du fluide, l’oeuvre s’active par la fontaine et son raccordement. Le second lieu « commun » de l’œuvre se trouve dans les cloches et leur résonance pour lesquelles l’artiste se réfère à l’ouvrage d’Alain Corbin, Les Cloches de la Terre, et de désigner ainsi les multiples sons du tocsin entre l’accéléré qui désignait un incendie et les vingt coups lent qui, en Moselle, informaient les habitants d’un feu de cheminé. Les cloches sont aussi le lieu d’un espace sonore commun qui aujourd’hui disparait comme de nombreux espace « conviviaux » de l’oreille. Par l’environnement ici reproduit entre son tintement et le ruissellement de l’eau François Dufeil nous invite à un voyage entre terre et ciel.
Text written by Sarah Ihler-Meyer for catalog of 64e Salon de Montrouge exhibition — September 2019 (french version below)
Opposing counter-devices to devices, reappropriating means of production in order to create areas of temporary autonomy are the main focuses of François Dufeil’s work. From this arises installations, mockups, but also to sculpture-tools that function in an open circuit and are available to new usages and organizations. It’s not by chance that, before entering the Beaux-arts in Angers, the artist began his career with les Compagnons du devoir et du Tour de France, a laborer apprenticeship that gave him the ambition to form a community with a collaborative and knowledge-sharing approach.
For the past several years, François Dufeil has been designing his pieces within the collective entitled Wonder/Liebert, of which he is a founding member. The collective, situated in the former headquarters of a Bagnolet company, is regularly threatened with expulsion because of urban redevelopment. In the form of a Vauban defence system, Fièvre obsidoniale (2017) is a steel structure decorated with fir-trees that seems to directly respond to this situation, that of an urbanism which, under the guise of improving lives, is really designed as a behavioral regulatory and normalization system. Using the same reappropriation logic, Fonderie somnolente (2017), Boudineuse, and Pilon à vapeur (2018) are three sculpture-tools intended to smelt, extrude, and pulverize matter respectively. Fabricated using reclaimed materials, they in turn generate new things such as an emergency currency, as in Mise en circulation (2016). But they can also serve other artists who are invited to use them. As a part of production and collaboration lines that are constantly being updated, François Dufeil’s work generates its own ecosystem, one that is always welcoming to the outside world.
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Opposer des contre-dispositifs aux dispositifs, se réapproprier les moyens de production pour créer des sortes de zones d’autonomie temporaire : voici les principaux axes de travail de François Dufeil, donnant lieu à des installations, des maquettes, mais aussi à des sculptures-outils fonctionnant en circuit ouvert, disponibles pour de nouveaux agencements et usages. Nul hasard si, avant d’intégrer les Beaux-arts d’Angers, l’artiste a commencé son parcours chez les Compagnons du Devoir du Tour de France, un apprentissage dont il a conservé l’ambition de faire communauté dans une logique de collaboration et de partage des savoirs.
C’est au sein du collectif Wonder/Liebert, dont il est l’un des membres fondateurs, actuellement situé dans une ancienne entreprise de Bagnolet et régulièrement menacé d’expulsion pour cause de réaménagement urbain, que François Dufeil conçoit ses pièces depuis plusieurs années. Prenant la forme d’un système de défense Vauban, la structure en acier ornée de cyprès intitulée Fièvre obsidoniale (2017) semble directement répondre à cette situation, celle d’un urbanisme qui, sous couvert d’amélioration des conditions d’existence, est en réalité conçu, consciemment ou non, comme dispositif de régulation et de normalisation des comportements. Participant de cette logique de réappropriation, Fonderie somnolente (2017), Boudineuse et Pilon à vapeur (2018) sont des sculptures‐outils respectivement destinées à fondre, extruder et pulvériser de la matière. Fabriquées à partir d’éléments de récupération, elles peuvent à leur tour engendrer de nouvelles pièces, comme par exemple une monnaie d’urgence (Mise en circulation, 2016), mais aussi servir à d’autres artistes librement invités à en faire usage. Inscrites dans des chaînes de production et de coopération constamment renouvelées, les œuvres de François Dufeil génèrent ainsi leur propre écosystème, toujours perméable au dehors.
